1º.- ¿Cuál es tu biografía ensayístico literaria Maximiliano?

Soy escritor, docente y comunicador, egresado de la Escuela Superior de Cinematografía de Buenos Aires. Realicé críticas cinematográficas, análisis teóricos y ensayos para distintos medios gráficos y digitales desde 2004 hasta la fecha. En el año 2019 publiqué mi primera antología de libros titulada «THE END» y durante 2020 la serie de biografías musicales «ROCKEROS», sendas publicaciones fruto de 15 años de trabajo escribiendo acerca de la historia del cine, la música y sus protagonistas. Durante 2021, he concretado la publicación de una serie de trabajos literarios de investigación cultural: ROCK DE MI VIDA: CRÓNICAS MELÓMANAS (Volumen I y II), SENTIDOS REVELADOS: ESTÉTICAS DE LA CULTURA UNIVERSAL y 100 GRANDES DIRECTORES DE CINE: ESTUDIO CRÍTICO DEL LENGUAJE

2º.- ¿De qué trata en síntesis tu extraordinario ensayo «SENTIDOS REVELADOS. ESTÉTICAS DE LA CULTURA UNIVERSAL»?

“SENTIDOS REVELADOS” es un gran ensayo sobre arte y creatividad cuya idea primaria sigue el siguiente lema: cada concepto que desprende una imagen y su infinito poder analítico, nos brinda un fértil territorio de búsquedas y hallazgos. La lectura de una obra de arte implica poner a prueba nuestra sensibilidad poética, atractivo desafío en pos de abandonar toda lógica y entregarse a un profundo acto de comunión con aquella obra que nos interroga, con miras a completar un muy personal sentido. Lo interesante de este ejercicio reside en que el conocimiento desprende tantas ideas como conjeturas posibles. Componer una pintura, una película, una puesta teatral o una obra poética, se vale de diferentes mecanismos reducidos a un denominador común: el artista intenta dejar, tras de sí y a través de su creación, una huella rastreable, expresando su mirada sensible sobre el mundo que lo rodea. Allí aparece la labor del crítico cultural, entendida como un puente entre el creador y el espectador o consumidor de dicha obra. De la literatura a las artes visuales, del lenguaje musical al cine, se puede recurrir a una serie de métodos comprobados para concebir a la crítica de arte como género periodístico, con un sentido sumamente necesario.  De manera que el presente libro se estructura a través de diferentes secciones que van vertebrando las diversas artes abordadas, por medio del análisis de obras determinadas que nos ayuden a comprender la importancia cabal de movimientos, tendencias, estilos, artistas y épocas, a lo largo de la historia del arte y también brindando al libro una mirada anclada en la producción contemporánea.

3º.- ¿Cómo nació el mismo?

Escribí este libro durante los últimos dos años. La idea seminal surge al momento de recopilar más de un centenar de ensayos realizados por mí a lo largo de toda mi trayectoria periodística, abordando diversas expresiones artísticas y aunándolas. En primer lugar, existen dos ideas fundamentales que terminan confluyendo. Por un lado, mi intención de llevar a cabo un largo ensayo acerca de cuestiones tan inmanentes a la vida del artista, como son la creación y la inspiración tan compleja de definir, que atraviesa los procesos en búsqueda de la propia voz creativa; también la espiritualidad y sensibilidad que habita en las obras que nos conmueven. Es un testamento personal acerca de mi mirada como crítico cultural, y mi labor como puente facilitador que pueda acerca al consumidor de arte a determinadas obras y artistas imprescindibles. Por otro lado, es esta idea interpretativa sobre determinadas expresiones, en donde cobra valor el sentido revelado a la mirada, desde las múltiples interpretaciones que posee esa obra que interpela nuestro sentido poético.

4º.- ¿En una obra de arte los sentidos se expresan mejor de forma metafórica?

Una obra de arte activa los mecanismos necesarios para poner en duda aquello que entendemos por realidad, y nos lleva a reflexionar junto a su creador. Todo receptor es quien, en rigor de verdad, aportará la cuota necesaria, bajo su mirada imperiosamente subjetiva. Es el lenguaje simbólico del arte y la flexibilidad interpretativa lo que posibilita la riqueza de acceso a un amplio campo de nociones.  El desafío estético que activa una serie de mecanismos analíticos operantes al momento de adentrarnos en las capas del lenguaje sobre el que deseamos profundizar. Allí, la labor del crítico cultural cobra magnitud y vital importancia, validándose como un puente entre el acto creativo y el espectador. Hacer crítica es aventurarse entre los múltiples sentidos de una obra artística, ejercicio intelectual ante el cual, relacionar con otras expresiones artísticas, resulta fundamental: la riqueza se encuentra en los nexos y en las influencias rastreables en toda la historia del arte. En lo alegórico, en lo que no está explícito y teje diversas tramas, tras las capas más profundas del lenguaje. La obra de arte nos interpela, anclada en una coordenada cronológica; surgió del espíritu de un tiempo y es su deber pronunciarse. De allí parte su misión, al reescribir la realidad y tener algo que decir al respecto de ella.

5º.- ¿Por qué hacer crítica es una aventura entre los sentidos de una obra artística?

El crítico de arte debe ser un puente entre la obra y el espectador, acercando distancias y pareceres entre el autor y el consumidor. El crítico está allí para dilucidar, desde su punto de vista, que es sumamente subjetivo y tan válido como tantos otros que habrá, qué es aquello que nos intenta decir una obra. Hacer crítica es un ejercicio estético, aventurándose entre los múltiples sentidos que un acto creativo encierra. No implica explicar, sino preferentemente relacionar conceptos. Hacer crítica es, también, vincular a otras experiencias artísticas. Esas influencias están visibles, no solo en el crítico, sino que también en el consumidor promedio del arte y en el creador. En las relaciones, en lo alegórico, en lo que no está explícito y va tejiendo la trama. Existe una verdad insoslayable: cada obra es hija de un espacio histórico capturado por los artistas. De allí parte la escritura crítica, del deseo de reescribir la realidad y de la verdad que ésta revele. Habla de aquello que está pasando alrededor y cada interpretación corroe ese paradigma. Por más que el autor no lo sepa, está escribiendo de algo que lo precede. El arte sintetiza ideas existentes y, acaso, la labor del crítico puede ser entendida, también, como un facilitador de sentidos.

6º.- ¿La liberación de los aspectos comerciales representa para el artista una liberación personal?

Abordo esta temática en el apartado dedicado a las artes visuales. Podemos pensar que toda creación existe por fuera de los cánones que dicta la mercantilización. De modo consecuente, el artista debe estar dispuesto a pagar el precio de vivir bajo sus elecciones y principios, siguiendo los designios de su deseo y sin perseguir un fin meramente redituable. Convive con el éxito y el fracaso como variables oscilantes, no debiendo impactar en su obra tales circunstancias. Liberarse de los parámetros comerciales facilitará su realización personal. El artista se encuentra, con frecuencia, sometido a una sociedad que, de alguna u otra manera, impone una forma determinada de pensar o hacer. Por ello, debe cuestionar cualquier arquetipo estipulado y perseguir caminos que habiliten nuevos modos de conducirse. La nobleza y la pasión por el oficio, del cual no todos pueden subsistir, deben alimentar su sed creativa, primando por sobre cualquier ecuación económica.

7º.- ¿La improvisación escrita suele encontrar a menudo la esencia humana del modo más que natural posible en cada una de las creaciones literarias?

Absolutamente sí. La improvisación suele ser una gran aliada. Y el compromiso emocional, a la hora de llevar a cabo una creación literaria, grafica, sobradamente, la construcción dramática de un personaje. Todo proceso escrito adquiere su tono adecuado en la medida en que su ejecución y determinadas circunstancias le otorguen entidad y estimulen. Cada protagonista de una historia de ficción aporta su singularidad al relato, dotándolo de dimensión. A menudo, la improvisación escrita permite encontrar la esencia humana, en cada uno de ellos, del modo más natural posible. La construcción parte de un profundo deseo intrínseco al autor, convirtiéndose en la voz y el flujo de sus criaturas, como instrumento para que otro lector se reconozca (y reconozca a su creador) a través de ellos. Virtud ante la cual, resulta imposible la indiferencia afectiva: determinado personaje ficticio nos generará rechazo o cercanía, invariablemente.

8º.- ¿Para la «América Blanca» una cierta parte de la historia es muy recomendable mantenerla callada?

Existe un ensayo específico en el libro, en donde abordo el arte afroamericano revelándose contra las barreras raciales En Estados Unidos, la creación de un período de tiempo específico para reconocer y celebrar las contribuciones y la presencia de los afroamericanos fue idea de Carter G. Woodson, un historiador capacitado en Harvard que lanzó la ‘Semana de la Historia Negra’, en 1926, para conmemorar el nacimiento de Abraham Lincoln, un mandatario cuya proclamación emancipatoria resultara determinante para la inclusión de la raza negra en la igualdad de derechos civiles. En gran parte, como respuesta a los disturbios urbanos y las tensiones raciales vividas en los años ’60, este movimiento cobró repercusión gracias a las acciones civiles de fundamentales líderes como Malcolm X y Martin Luther King. Podríamos pensar en la histórica marcha a Selma (Alabama) o el determinante discurso que eternizara el mentado ‘I Have a Dream’, dictado por el propio King en agosto de 1963. También, en los tristemente célebres episodios trágicos que, a la legislación de la América Blanca y a una cierta parte de la historia, convenía mantenerla acallada. El ‘Mes de la Historia Negra’, en los Estados Unidos, posee una visión y un propósito: luchar contra una sensación de amnesia generacional y recordar a todos los ciudadanos que la raza afroamericana, también, es una parte contribuyente de la nación. Mártires y víctimas de la segregación, quienes, con valentía, lucharon por un nuevo paradigma social.

9º.- ¿A lo largo de la historia del arte observamos muchas contradicciones? ¿Nos puedes decir algunas de ellas?

La historia del arte está hecha de contradicciones, y una de ellas resulta las circunstancias que rigen la producción artística actual no son la excepción. La figura del artista ha ido evolucionando, sufriendo radicales modificaciones y mutando con el transcurrir de los siglos, adaptándose al devenir de los diferentes movimientos, estilos, corrientes y tendencias que conforman la historia del arte. No obstante, no ha perdido su esencia, inalterable al signo de los tiempos. Cabe observar que, actualmente inserto en un mundo desarrollado y capitalista, globalizado económica y culturalmente, la figura del artista se ve atrapada por un factor comercial que, con frecuencia, desprecia la tradición en su formulación clásica. El especialista Robert Morgan (crítico de arte, historiador de arte, curador, poeta y artista estadounidense) afirma que el arte se ha visto subyugado por la lógica del mercado: el factor monetario ejerce, invariablemente, su poder. Este pensador contemporáneo interpreta los efectos de la globalización económica, como un denominador común a lo largo de su crítica obra, en búsqueda de pesquisar las relaciones emergentes entre mercado y artista, sujeto éste último al devenir de la coyuntura presente, a riesgo de convertir su arte en mera mercancía de moda funcional a los nuevos patrones imperantes de publicidad. Podríamos graficar a esta gran contradicción a modo de ejemplo y bajo la denominación proferida por Morgan, en problemáticas relacionadas con la propia identidad artística, a fin de auto validarse.

10º.- ¿De qué forma el cine independiza a la literatura de la descripción del mundo?

Las relaciones que traban cine y literatura datan desde los comienzos del cine mismo. Podemos señalar que, mientras la crítica especializada acerca el film a lo literario para establecer valores, la dimensión temporal de éste incorpora la función de la narración; aunque allí siempre prime, por encima de toda conceptualización, el trabajo del realizador. El séptimo arte es concebido, fundamentalmente, como representación de realidad producto del relato de acontecimientos, de igual manera, como, a través de la palabra, la literatura recrea ambientes y sigue cierto hilo temporal de acciones. Entonces, podemos afirmar sin temor a precipitarnos, que el cine independiza a la literatura de este al describir el mundo. Antiguos realizadores, desde los comienzos del mismo, utilizaban obras literarias para desarrollar films, como una gran fuente dadora de historias de la que se nutrían estética y narrativamente.

11º.- ¿Con la experiencia creativa tomamos conciencia de nosotros mismos?

Todos los seres somos creativos, en tanto crear es descubrir, disfrutar, inspirar, expresar. Sin ningún lugar a dudas, la experiencia creativa nos ayuda a tomar conciencia de zonas no habituales de nosotros mismos. Es preferible abandonar juicios estéticos delimitados por la subjetividad, otorgando validez al cuestionamiento de la propia capacidad. Si bien la carga genética puede predisponer el talento creativo, es sabido que el factor cultural determina un rol preponderante, como lo han enunciado numerosas corrientes del pensamiento divergente, en sus precursores Gianni Rodari o Edward De Bono, por ejemplo. Esta vertiente teórica valora la intención de alterar el paradigma en la búsqueda de la singularidad creativa, basada en vivencias personales, casi como un instinto de supervivencia social por no someterse a mandatos establecidos. Ambos coinciden en que, aquel ser ajeno a la creatividad, sucumbirá bajo los regímenes que impone la sociedad contemporánea.

 12º.- ¿El nuevo cine argentino ha conseguido que la industria cinematográfica de allá tenga proyección y prestigio internacional?

El renovado acercamiento al lenguaje cinematográfico que se solventara en nuestro país, se inscribió dentro del Nuevo Cine Argentino de los ’60, una efervescente época de renovación y entusiasmo, que hizo frente a la fuerte crisis que atravesaba nuestro sector industrial. Bajo este contexto, una serie de películas engrosan la lista de prolíficas obras del cine argentino de fines de los años ’50. Una etapa gloriosa, que diera luz a ilustres de la talla de Fernando Ayala, Pino Solanas, David José Kohon y Simón Feldman, entre otros. En tal contexto se desarrolla la presente camada de cineastas, inmersa dentro de un territorio cinematográfico que atravesaba un fundamental período de cambios y, gracias al aporte de nóveles realizadores, se aventuraba a ejercer valientes juicios críticos sobre la realidad nacional, con genuino e inconformista deseo de expresión. En las antípodas de los estilos y las temáticas preferidas por el cine tradicional de la edad dorada, nuestra pantalla renovaba desafíos estéticos.

13º.- ¿Roberto Alt es considerado como una de las mejores «parlantes» de Argentina?

Roberto Arlt es insoslayable, aunque su historia de vida nos lege algunas particularidades que nos ayudan a entender mejor el fenómeno de tal figura. Se consagró a temprana edad, como autor de “Los Siete Locos”, “Los Lanzallamas”, “El Juguete Rabioso” y “Aguasfuertes Porteñas”. Estas obras cimentaron la extensa obra de quien es considerado como una de las grandes plumas de la literatura hispano parlante de la última centuria. Sin embargo, la obra de Roberto Arlt fue duramente criticada durante la primera mitad del siglo XX. Hoy y quizás a causa de su prematura partida, su imagen se ha elevado a la de figura de culto, llegando a ser un referente trascendente. En sus relatos, describe con naturalismo y humor los ámbitos que inspecciona. Es un especialista en transmitir la desigualdad y la opresión que dominan a Argentina. Su forma de escribir, directa y cruda, alejada de la estética modernista y erudita, contrasta con vertientes literaria de la escuela más cercana a Jorge Luis Borges, por ejemplo. Pionero, se lo considera como un precursor del teatro social argentino y de corrientes posteriores, como el absurdismo y el existencialismo.

14º.- ¿El perfecto argentino es aquel que no tiene memoria?

Entiendo que tomas estas palabras de aquello que menciono a la hora de cotejar la relevancia política (y su connotada ignorancia en lo social) que adquiere el hecho trágico que da forma a lo que conocimos como «La Patagonia Rebelde». Podría contestarte como argentino, como ciudadano habitante de esta sociedad, a veces amnésica. Examinar hechos pasados nos coloca en las coordenadas históricas de una época que, por algún motivo en especial, nos despierta la atención y conmueve nuestros sentidos. Es finalidad de la literatura y del cine traer estos episodios al presente. Puede que determinados hechos históricos posean una contemporaneidad casi paralela por su cercanía en el tiempo, sin embargo y sin obviar la importancia que otorga el paso del tiempo para poder juzgar la evolución de las sociedades, los hechos contados a través de obras artísticas rescatan desde los pliegues de la memoria eventos que como sociedades construyen nuestra identidad y nos ayudan a crecer culturalmente. Y en dicha mirada, forma parte el ser nacional que construimos: un ciudadano sin memoria, a menudo, se convierte, irónica y tristemente, en el perfecto de ellos, en tanto y en cuanto peque por omisión a la hora de realizar este ejercicio autocrítico.

15º.- ¿Tu próximo ensayo discurrirá por los senderos de   «SENTIDOS REVELADOS. ESTÉTICAS DE LA CULTURA UNIVERSAL»?

Mi próximo libro se titula 100 DIRECTORES DE CINE: ESTUDIO CRÍTICO DEL LENGUAJE, y puede apreciarse como un puente analítico para pensar acerca de la esencia del arte cinematográfico y de cómo este ha testimoniado la evolución del hombre de su tiempo. A través de un centenar de cineastas fundamentales como posible recorte teórico, este ejercicio resulta un camino posible para descubrir facetas de la técnica, la crítica y la industria cinematográfica, rescatando marcas de estilo, rasgos temporales, influencias artísticas, concepciones estéticas y marcos intelectuales que guíen a la comprensión. El cine, su legado cultural y su función analítica, en su primer centenario de vida, se conjugan como un instrumento artístico que otorga una mirada comprometida con el mundo que lo rodea. Como autor, intento desentrañar la importancia cabal de una serie de figuras fundamentales y su incidencia en el arte cinematográfico, en comunión constante unas con otras, constituyendo hitos insoslayables de un lenguaje en permanente evolución. El elenco de cineastas seleccionados allí abarca desde clásicos esenciales como Eisenstein, John Ford, Kurosawa, Orson Welles, Chaplin o Hitchcock; vanguardistas como Cassavetes, Bresson, Godard, Antonioni o Fellini; indispensables del cine contemporáneo como Scorsese, Woody Allen, Spielberg, Almodóvar o Clint Eastwood y hasta talentos destacados del nuevo milenio como Christopher Nolan o Denis Villeneuve, entre muchos otros.

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